mit diesem Gedanken des britischen Philosophen Alan Watts lade ich Sie ein, sich mit

einem Zustand zu beschäftigen, der viele Menschen fasziniert: mit dem freien Fall.

Warum sonst würden sie sich freiwillig mit Fallschirmen aus Flugzeugen stürzen, sich in

Achterbahnen setzen oder sich nur mit einem Gummiseil gesichert von Brücken fallen

lassen?

Der freie Fall ist mehr als nur physikalisches Geschehen. Es ist eine Erfahrung zwischen

Angst und Vertrauen, zwischen Kontrollverlust und Hingabe. Gisela Hoffmann greift mit

ihren Arbeiten genau diesen Zustand auf. Der Ausstellungstitel „Freier Fall“ ist aber

nicht von Extremsportarten inspiriert, sondern vielmehr durch das gegenwärtige

Weltgeschehen. Unsere gewohnte Ordnung scheint – wenn man die Nachrichten liest –

in einem freien Fall zu sein: Eine Pandemie hat die globale Verletzlichkeit offengelegt,

ein Krieg ist nach Europa zurückgekehrt, mit weitreichenden Folgen wie Energiekrise,

Inflation und der Gefahr einer Ausweitung, gleichzeitig eskaliert der Nahostkonflikt

erneut. Diese Entwicklungen werden begleitet von einer zunehmenden

gesellschaftlichen und politischen Polarisierung, von einem rauer werdenden Ton und

der Erosion von Selbstverständlichkeiten. Hinzu kommen Herausforderungen wie die

Klimakrise, die Digitalisierung, der demografische Wandel und eine hohe Zuwanderung,

die unsere Gesellschaft tiefgreifend verändern. Die Welt befindet sich in einem

umfassenden Transformationsprozess: Vertraute Strukturen lösen sich auf, ohne dass

neue Ordnungen bereits erkennbar wären.

Dieser Zustand des Dazwischen – zwischen dem Alten, das man verlässt, und etwas

Neuem, das noch nicht greifbar ist – durchzieht das gesamte künstlerische Schaffen

von Gisela Hoffmann. Ihre Auseinandersetzung mit Raum, Linie und Wahrnehmung

beginnt nicht erst im Atelier, sondern wurzelt tief in ihrer Biografie. Aufgewachsen auf

der Ostseeinsel Fehmarn, war sie früh von der Weite des Horizonts, vom Wechselspiel

aus Licht und Luft umgeben – Eindrücke, die bis heute in ihrer Kunst nachhallen. Nach

dem Studium der Kunstgeschichte in Erlangen zog es sie an die Akademie der

Bildenden Künste Nürnberg, wo sie bei Stephan Eusemann und Hans Herpich eine

konsequente Reduktion auf die elementaren Prinzipien der Kunst verinnerlichte.

Diese formale Klarheit und die Suche nach der Essenz des Raums durchziehen Gisela

Hoffmanns Werk bis heute. Der Raum ist dabei nicht nur die Umgebung, in der sie ihre

Arbeiten präsentiert, sondern immer Ausgangspunkt und aktiver Bestandteil ihrer

künstlerischen Praxis. Hoffmann versteht ihn nicht als neutrale Hülle, sondern als

Mitspieler – als Resonanzraum, den sie mit feinen Eingriffen verändert, akzentuiert und

neu erfahrbar macht. Ihre Werke entstehen häufig in intensiver Auseinandersetzung mit

den spezifischen Gegebenheiten des Ortes, an welchem sie gezeigt werden. Auch in

dieser Ausstellung sind viele Werke in ihrer finalen Form als intuitive Reaktion auf den

Raum entstanden.

Das zentrale Element im Schaffen von Gisela Hoffmann ist die Linie. In ihren

Installationen „zeichnet“ Hoffmann buchstäblich Linien in den Raum, indem sie

Materialien wie Polyesterbänder oder auch dünne Stäbe aus Acrylglas über Wände,

Decken und Böden spannt. Aus reduzierten Mitteln entstehen präzise gesetzte

Strukturen, die sich der Eindeutigkeit entziehen. Gisela Hoffmanns Installationen

definieren keine festen Körper, sondern öffnen Zwischenräume, in welchen sich die

Grenzen zwischen Kunstwerk und Umgebung auflösen. Ihre Arbeitsmaterialien

reflektieren Licht, werfen Schatten und greifen dadurch auf den architektonischen

Raum über. Dieser wird so zum Bildträger, Wände, Böden und Decken Teil des

Kunstwerks.

Besonders eindrucksvoll zeigt sich diese Dynamik in der Arbeit „Lawine / Avalanche“,

dem zentralen Werk der Ausstellung. Orangefarbene Bänder sind in einer stürzenden

Bewegung von der Decke bis zum Boden gespannt – eine Installation, die den Eindruck

eines plötzlichen Zusammenbruchs vermittelt. Die Spannung, die Bewegung nach

unten, die farbliche Intensität: All das verweist auf eine Situation des Kontrollverlusts,

wie wir sie in gesellschaftlichen Krisenmomenten erleben. Die Raumlinien sind physisch

erfahrbar: Wer die Installationen umschreitet, erlebt lebendige, sich wandelnde

Strukturen und wird Teil eines Spiels aus Perspektivwechseln und

Wahrnehmungsverschiebungen – Linien überschneiden sich, durchdringen einander,

scheinen sich aufzulösen und neu zu formieren. Diese Veränderungen lassen sich nicht

durch Innehalten oder Erklären begreifen. Man muss sich – wie von Alan Watts

gefordert – fallen und von der eigenen Wahrnehmung treiben lassen, Teil des Tanzes

werden. Gisela Hoffmanns Kunst verführt uns dazu, unseren sicheren Standpunkt zu

verlassen, in Bewegung zu geraten und uns dem Wandel hinzugeben – neugierig, offen

und wach. Der Zustand der Schwebe wird zur eigentlichen Essenz des Kunstwerks:

nicht als statische, sondern als fortwährende Erfahrung. Hoffmanns Arbeiten sind

Ausdruck einer dynamischen Wahrnehmung, die ständig in Bewegung bleibt, sowohl im

materiellen als auch im geistigen Sinne. Die Linien ihrer Werke sind so angelegt, dass

sie vom Blick der Betrachtenden weitergeführt und geistig fortgesetzt werden können –

als Impulse für innere Bewegung und gedankliche Weite, die über das Sichtbare

hinausgeht.

Dabei verfolgt die Künstlerin konsequent das Prinzip „Weniger ist mehr“. In ihrer

künstlerischen Praxis setzt sie Eingriffe und Materialien sehr reduziert und präzise ein,

um mit minimalen Mitteln eine maximale Wirkung zu erzielen. Trotz der häufig

raumgreifenden Inszenierung ihrer Arbeiten, die in ihrer Wirkung als Großformate

gelten könnten, lassen sie sich – dem sparsamen Materialeinsatz geschuldet – mitunter

auf das Volumen einer Schuhschachtel reduzieren. Gisela Hoffmann arbeitet mit

hochtechnischen, teils industriellen Werkstoffen und verbindet diese mit einer sehr

persönlichen, handwerklich geprägten Praxis: Ihre feinen Gewebebänder färbt sie

selbst ein – ein zeitaufwändiger, manueller Prozess, der dem Werk eine individuelle

Note verleiht, ihm aber nicht anzusehen ist. Hoffmann arbeitet ansonsten

materialgerecht und verzichtet auf Hilfskonstruktionen, um alles Überflüssige zu

vermeiden. Dieses Streben nach Klarheit zielt darauf ab, einen Raum zu schaffen, der

individuelle Gedanken und persönliche Interpretationen zulässt und den

Betrachterinnen und Betrachtern eine unmittelbare, ungestörte Raumerfahrung

ermöglicht. Die Installationen von Gisela Hoffmann sind bewusst offen und reduziert

gestaltet, um Raum im Sinne von Freiraum zu eröffnen. Mit ihren minimalistischen

Eingriffen und klaren, linearen Strukturen schafft sie Orte meditativer Ruhe, die zur

Kontemplation einladen – als Rückzugsort in einer von Reizüberflutung geprägten Welt.

Unmittelbar neben der Arbeit „Avalanche“ befindet sich eine Wandinstallation aus

lilafarbenen Bändern, deren chaotische Struktur keinen festen Rhythmus oder

erkennbare Ordnung aufweist. Diese entstand während der Corona-Pandemie – eine

Zeit, in der für viele Menschen die Brüche und Umwälzungen begannen, die bis heute

nachwirken. Alte Sicherheiten gerieten ins Wanken, das gewohnte Leben verlor seine

Stabilität. Beide Arbeiten spiegeln auf exemplarische Weise die Grundstimmung einer

Welt im Übergang, in der Orientierung immer wieder neu hergestellt werden muss.

Auf der benachbarten Wand begegnet uns dann eine neue, freie Arbeit: Aus gedrehten,

pinkfarbenen Bändern entstehen geschwungene, feine Linien – eine Komposition

von großer Leichtigkeit und Eleganz. Diese Arbeit wirkt wie ein visuelles Gegengewicht

zum vorhergehenden Chaos, beinahe schwebend, mit viel Freiraum zwischen den

einzelnen Elementen. Hoffmann begreift diese Zwischenräume als Leere – als atmende

Offenheit, die Platz lässt für Durchlässigkeit, Bewegung und kontinuierliche

Veränderung. Solche Arbeiten trifft man in Hoffmanns Ausstellungen häufig an: Sie

machen erfahrbar, wie Wandel nicht nur Verunsicherung, sondern auch Potenzial in

sich birgt – für neue Sichtweisen, für andere Ordnungen, für eine veränderte Beziehung

zur Welt.

Die Materialität ihrer Linien erschließt sich oft erst auf den zweiten Blick – immer wieder

werden Hoffmanns feine, textile Gewebe irrtümlich für dünne, lackierte Metallbänder

gehalten, weil sie im gespannten Zustand so stabil und starr wirken. Aus der Nähe

3zeigen sie jedoch eine überraschende Weichheit und Flexibilität, wie die Arbeit „Carry

On“ verdeutlicht. Hier können die Ausstellungsbesucherinnen und -besucher

unmittelbar mit dem Material in Berührung kommen.

Diese Arbeit, die auf einem kleinen Podest an der Wand sowie auf dem Boden zu finden

ist, geht auf den Großen Kulturpreis der Stadt Nürnberg zurück, den Gisela Hoffmann

im Jahr 2024 erhielt. Für die feierliche Preisverleihung entwickelte die Künstlerin ein

partizipatives Konzept: Alle Gäste erhielten ein einfaches Armband aus

Polyestergewebe – dem Material, das Hoffmann auch in ihren Rauminstallationen

verwendet. Mit diesem symbolischen Akt wurden sie Teil eines großen, kollektiven

Kunstwerks. „Carry on“ ist nicht nur Erinnerung an diesen besonderen Moment,

sondern zugleich ein offenes soziales Kunstwerk, das sich mit jeder neuen Begegnung

weiterentwickelt. Die Besucherinnen und Besucher der Ausstellung können ihr

Armband gegen eines in einer anderen Farbe tauschen oder es vor Ort belassen – als

persönliche Spur, als Teil einer wachsenden, sich ständig verändernden Installation. Die

Arbeit schafft eine direkte Verbindung zwischen dem Individuum und dem kollektiven

Kunstgeschehen, sie entgrenzt Kunst über das Objekt hinaus in den sozialen Raum. So

wird „Carry on“ zur Verkörperung eines wesentlichen Aspekts von Gisela Hoffmanns

künstlerischem Ansatz: der konsequenten Öffnung von Kunst für Teilnahme, Austausch

und Veränderung. Kunst wird hier nicht als abgeschlossene Setzung verstanden,

sondern als lebendiger Prozess, der durch Begegnung entsteht. Gleichzeitig kann

„Carry on“ auch als Ausdruck einer positiven Grundeinstellung interpretiert werden – als

motivierende Aufforderung und Ermutigung, auch in schwierigen Zeiten

weiterzumachen und sich den Herausforderungen unserer Zeit zu stellen.

Neben den Polyesterbändern verwendet Hoffmann auch gerne fluoreszierendes

Acrylglas in kräftigen Farben wie Orange, Neongelb oder Pink. Obwohl es sich dabei um

ein festes, dichtes Material handelt, erscheint es durch den Einfluss von Licht nahezu

entmaterialisiert – es beginnt zu leuchten und sich in der Wahrnehmung aufzulösen.

Linien aus Acryl werden so zu Lichtlinien, die weniger Objekt als Erscheinung sind.

Dieses Changieren zwischen Härte und Weichheit, zwischen Festigkeit und Auflösung

verleiht den Arbeiten eine ganz eigentümliche, faszinierende Sinnlichkeit.

Ein weiterer Werkkomplex zeigt, dass Gisela Hoffmann nicht nur mit Linien und

Räumen, sondern auch mit Sprache arbeitet. In ihren Würfelarbeiten kombiniert sie

optische Strenge mit begrifflicher Reflexion: Würfel aus Kristallglas, zu drei Seiten

offen, auf drei Seiten eingefasst in ein Gestell aus Edelstahl, das mit Wörtern oder

geometrischen Formen beklebt ist. Durch Spiegelungen entsteht ein optisches

Labyrinth – Begriffe wie „Verantwortung“, in dem auch „Antwort“ steckt, „Zuversicht“

oder „Mit anderen Augen sehen“ erscheinen verzerrt, verschoben, gebrochen. Die

Betrachtenden müssen sich diese Worte erarbeiten, ihre Lesbarkeit erschließt sich nicht

sofort. Es ist ein Spiel mit Perspektive und Erkenntnis – auch ein Bild für unsere

4Gegenwart, in der Sinn oft nicht mehr auf den ersten Blick klar ist. Diese Arbeiten

stehen exemplarisch für die Verbindung von Sinnsuche und Wahrnehmung, von

innerem und äußerem Raum – und schlagen zugleich eine Brücke zu der Metapher

einer Welt im freien Fall, in der Orientierung neu hergestellt werden muss.

Ein tiefes Interesse an den Zusammenhängen von Wahrnehmung und Raum zieht sich

durch die gesamte Ausstellung. Es ist ein zentrales Thema im Schaffen von Gisela

Hoffmann: Manche ihrer Arbeiten konstituieren Raum, andere lösen ihn auf. Die Werke

der Künstlerin spielen mit Schwellen und Übergängen und schaffen es, uns nicht nur

visuelle Eindrücke zu vermitteln, sondern uns auf einer tieferen Ebene zu sensibilisieren

– für die Art und Weise, wie wir unsere Umwelt wahrnehmen, wie wir sie begreifen und

wie sich unsere Wahrnehmung in Abhängigkeit von unserem Standort verändert.

Diese Erkenntnis ist in einer Zeit zunehmender gesellschaftlicher Spaltung und sich teils

konträr gegenüberstehenden, polaren Weltsichten besonders wertvoll. Die Werke von

Gisela Hoffmann veranschaulichen auf subtile Weise, dass nicht nur der physische,

sondern auch der soziale Raum, in dem wir uns bewegen, prägt, wie wir unsere Umwelt

wahrnehmen und interpretieren. In einer Gesellschaft, die zunehmend in Blasen von

Meinungen und Interessen auseinanderdriftet, liegt die Herausforderung darin, die

Übergänge und Schwellen zwischen unterschiedlichen Perspektiven zu erkennen und

das Gemeinsame zu finden.

Und uns dabei von Gisela Hoffmanns Zuversicht inspirieren lassen. Denn bei aller Sorge

bleibt sie nach eigener Aussage Optimistin. Auch wenn sich die Welt im freien Fall zu

befinden scheint, begreift Hoffmann diesen Zustand nicht als Katastrophe, sondern als

Einladung zum Wandel. Der Ohnmacht zu widerstehen, den Mut aufzubringen, sich von

alten Mustern zu lösen und neue Realitäten anzuerkennen – das sind Strategien, die

nicht nur individuelle Resilienz stärken, sondern auch kollektive Möglichkeiten eröffnen.

In diesem Sinne kann der freie Fall auch eine Chance sein: eine Gelegenheit,

stimmigere Ordnungen zu entwerfen und als Gemeinschaft neue Formen des

Zusammenhalts zu erproben. Hoffmanns Kunst öffnet Räume, in denen solche Prozesse

aus der sinnlichen Erfahrung heraus angedacht werden können.